Le opere di Lauren Halsey appena esposte a Los Angeles costituiscono un impianto metropolitano spettrale. Una mappa di fantasmi, più che un esercizio di pianificazione urbana. Le scatole vivide, fluorescenti, come idee platoniche di edifici, non possono essere attraversate. Inoltre, molti dei marchi, dei loghi rievocati e commemorati sulle loro superfici sono a oggi scomparsi, quindi inaccessibili. Il memoriale e il monumentale si intersecano nell'opera di Halsey. L’abbiamo intervistata per approfondire un progetto unico per la città in cui vive e lavora dal 1987.

Da dove trae ispirazione la tua prima mostra personale alla David Kordansky Gallery, e che tipo di narrazioni si nascondono dietro questo nuovo corpus di opere? Come reinterpretare, incarnare o decostruire il paesaggio strutturato nel centro-sud di Los Angeles?
Nel comporre la mostra, sono stata ispirata da precedenti prototipi di architetture e sculture che ho realizzato mentre ero alla scuola di specializzazione, trovandomi anche a casa di mia nonna. Stavo pensando di reinventare il paesaggio costruito del centro-sud di Los Angeles, remixando gli archivi familiari, personali e più documentali sul quartiere. Ho riorganizzato la città e l'estetica di SCLA impilando e frammentando sculture per proporre una strada, una composizione o una poetica ideale.
Stavo guardando un documentario sui Blood e i Crips di Stacy Peralta con il mio compagno. Siamo passato attraverso ogni sorta di cronologia della L.A. nera: guardando indietro a meravigliosi indicatori architettonici e di quartiere, leader della comunità, dischi poetici socio-politici, archivi visivi. Descrivevano Central Avenue durante l'Età del Jazz e lì è stato un momento in cui ho riconosciuto mia nonna e la sua gemella in uno dei ritratti che passavano abbastanza rapidamente sullo schermo. Riportai l'immagine al testo di un gruppo familiare e ricevetti alcune immagini della mia famiglia e dei suoi 6 fratelli che passavano piacevolmente il tempo in Central Avenue con Duke Ellington e altri. Ho iniziato a re-immaginare disegni vernacolari di architettura e a confonderla con la mia linea di sangue a partire da mia nonna, andando verso la vita di mia madre e mio padre in South Central, oltre alla mia esperienza di vita finora vissuta.

Quali intuizioni o nuove scintille hanno instillato, nel tuo lavoro per la mostra, gli spazi della galleria fisica di David Kordansky?
Questa è la prima volta che sono stata in grado di riflettere sul massimalismo nero, in particolare incorporando superfici riflettenti come specchi, iridescenti e prismi. Sono stata in grado di creare questi momenti nell'installazione per catturare e rallentare lo sguardo esterno, per far triplicare e quadruplicare le particolari superfici di altre superfici. Combino la scala in un modo che ritengo sia avvincente, creando una stratificazione davvero funky che non avevo idea che questo fosse possibile. Sono stata impegnata a esplorare questo tipo di surrealismo nel mio lavoro e questa è stata la prima volta che è successo.

Quali tipologie di esperienze e lezioni introdurrà la tua recente mostra alla Fondazione Louis Vuitton in questo percorso?
Una lezione che ho preso dalla Fondazione Louis Vuitton è stata la capacità di pensare all'architettura che non dipende da un'infrastruttura architettonica per sostenerla. Per la creazione di questa installazione è stata la prima volta che ho usato la vetroresina in modo intensivo, come approccio compositivo per creare queste strutture estetiche. È stato anche un progetto per me di allontanamento da materiali effimeri, lavorando a strutture che forse forniscono maggiore permanenza.

Hai studiato architettura all'El Camino College e hai continuato a lavorare su progetti informati dal punto di vista architettonico al California College of the Arts. In che modo pensi che questo contesto abbia cambiato la tua prospettiva su Los Angeles e abbia influenzato il tuo approccio ai progetti di arte contemporanea?
Poiché l'El Camino Community College non è una scuola di architettura – ma piuttosto è un dipartimento di architettura che lavora a stretto contatto con un dipartimento di costruzion, l'enfasi sull'intero programma sta offrendo agli studenti l'opportunità di costruire e considerare i diversi servizi offerti dalla disciplina dell’architettura. In genere, gli architetti praticanti non sono direttamente coinvolti nel processo di costruzione reale. Ma, nella mia prima esperienza a El Camino, l'idea dei miei progetti e dei progetti del mio compagno di classe sul design costruito come un ethos è stata instillata fin dall'inizio. Stavo realizzando progetti e li presentavo ai miei professori e ai compagni di classe con la speranza e la presunzione di portare i miei progetti in cantiere, per realizzarli. È successo una volta. È stato incredibilmente potente riuscire a costruire le mie proposte di rese spaziali proprio con le mie mani.

Tra Afrofuturismo e funk, infrastrutture radicali e collaborative e la tua attenzione alle comunità urbane, come potrebbero le tue dichiarazioni artistiche rappresentare un nuovo linguaggio per l'arte contemporanea?
Ne ho certamente dei modelli, incluso il lavoro e la costruzione di comunità realizzate da George Clinton del Parlamento Funkadelic, Theaster Gates e Mark Bradford, ma non credo di creare un nuovo linguaggio per l'arte contemporanea. Per me, si tratta più di poesia collaborativa, quale ingrediente più profondo di tutto ciò che realizzo. Quando realizzo, è molto importante pensare a livello intergenerazionale, coinvolgendo tutti, dai cugini di 4 anni a mia nonna di 75 anni. Questo non significa necessariamente che sto assegnando lavoro, ma piuttosto invito le persone a partecipare. In questo modo, spero che i miei collaboratori portino le loro soggettività, posizioni, domande e prendano decisioni che sposteranno l’ago del progetto. Quando ciò accade, l'opera d'arte diventa un vero organismo che è tutto nostro, condivisibile.

Secondo te, in che modo i tuoi paesaggi ambienti costruiti al chiuso riflettono le trasformazioni subite da L.A. a causa della gentrificazione?
Non riflette propriamente una trasformazione: riguarda piuttosto tragedia, bellezza, tempo, così come la scomparsa di postazioni vernacolari dal mio quartiere. Alcuni dei negozi e delle insegne originali - su cui si basano le opere della mostra della David Kordansky Gallery - non esistono più, proprio dall'apertura della scorsa settimana! Quello che si vede nella mostra è ciò che è scomparso forse a causa dello spostamento e della gentrificazione, o perché qualcuno, probabilmente un imprenditore, voleva modernizzare il suo logo in uno striscione o un'insegna al neon. Penso che un segno importante, da menzionare, nella mostra siano i “1-800-Sell-Your-House”, questi segnali di rimozione call-to-action, in modo che gli sviluppatori possano entrare e riutilizzare i nostri spazi per edifici di lusso che circondano nuovi stadi e treni. Mi piace installarli in alto per rimanere fedeli a come funzionano nel mondo reale. Di recente un amico mi ha fatto notare che “questi cartelli sono simili agli avvoltoi che guardano in basso verso il quartiere, aspettando”.

Quali artisti di L.A. ti hanno influenzato di più, e perché?
Sculture nomadi di Dominique Moody. I meravigliosi ritratti storici di Ramsess del pantheon nero di tutto: jazz, movimento per i diritti civili, hip hop. Pasacio il re, leggendario pittore di insegne della South Central L.A., che dipinge sui due camion che usa come studio mobile da almeno 25 anni a pochi isolati da casa mia. Betye Saar, Sketch, Mark Bradford, che al college della comunità, mi ha fatto capire quanto i cartelli e le tracce che avevo raccolto fossero importanti.

Quali segnali o messaggi veicolano i colori fluo nei tuoi volumi e installazioni architetturali?
South Central L.A., e altri quartieri simili, sono gli unici posti in cui ho vissuto finora, dove posso godermi bande astratte di colore nei modi più onirici di sempre. Mia nonna vive dietro l'angolo di una casa in cui le pareti, la fontana, le statue e il marciapiede sono tutti dipinti di un color acqua vibrante. Ci sono molti esempi di questo mio impatto e di questa mia fascinazione verso la città. Questo atteggiamento ha influenzato la mia immaginazione da bambina, ispirandomi a spostare davvero la tavolozza dei colori su toni molto saturi di technicolor / pastello, ricostruendo le tinte degli esterni, degli isolati e delle persone intorno a me.
Il cartello "Waz Up!" nella mostra - è stato un segno e un'affermazione meravigliosa che mi sono sentita: così bene ogni volta che l'ho superato o che l’ho visto per strada. Quindi era la chiusura ideale. Molti di questi sono veri e propri marcatori della mia infanzia che mi fanno innamorare di questa città e di quello a cui tengo. Un altro esempio è il cartello "Slauson Tees" nella mostra di Kordansky. Nipsey Hussle lo trasformò nel negozio di abbigliamento a Marathon in Slauson Avenue. Los Angeles sa quanto fosse un riferimento, significativo. Voglio rendere omaggio a questi punti di orientamento di quartiere.

Qual è un messaggio, un pensiero o un'idea che speri i visitatori portino con sé dopo aver visto la tua mostra?
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